Códigos + Signos Vitales, pensando sobre lo arrítmico

Proyecto comisariado por Mariano Del Rosario

Según van cambiando el gusto y las actitudes a lo largo del tiempo, también lo hace el modo en el que el arte se documenta, se filtra y se configura. La atemporalidad es un concepto elegante pero problemático. Si decimos que la atemporalidad es la señal de la integridad artística es para proponer que el universo es estático o que ha dejado de acelerarse. Esto no son buenas noticias para los puristas en tanto que las cosas vienen y van, por épocas, por ciclos, y el único aspecto constante es el cambio. En su núcleo está el estado arítmico de la pintura, una pulsación artística irregular, que implica contradicción y síntesis del trasfondo creativo y que es un arte producido manualmente en la era digital.

En un mundo fluído y complejo, el artista se alimenta de una gran variedad de fuentes, historias e influencias. Los desafíos fundamentales del arte de nuestro tiempo están en la definición y la producción de significado: definir su propia transmutación y encontrar el camino correcto. Es importante mirar críticamente la dirección que el arte actual ha tomado, cualquiera que sea el factores o el contexto que consideremos –ya sea celebrando la vida o lamentando los horrores de la guerra y del medioambiente–, observando que en la mayor parte de la pintura creada después del 11-S no hay más que confección visual, que únicamente quiere deleitar a los ojos y nublar los sentidos.

Ocho destacados pintores de Nueva York por el contrario, se acercan a los objetos mundanos a través de intervenciones materiales y procesos que se transforman desde un modo reconocible en otro menos definibles, resultando en objetos que tienden a situarse entre elementos clasificables. Abandonando las posiciones doctrinarias y restrictivas del formalismo de los 60 y 70, la abstracción contemporánea surge y toma fuerza en un dominio tecnológico tanto sencillo como complejo, absorbiendo cualquier forma en el espacio de mutaciones infinitas del lienzo. Yu Okunozo y Nadege Morey comparten inconografías emblemáticas, lineares y geométricas en sus pinturas, pero son polos opuestos en su contexto y su trasfondo cultural. Alison Tirrel utiliza materiales de prensa, tiras de periódicos para sus objetivos como diarios o medios de noticias, mientras que Christopher McGill muestra una tabla arenosa inyectada de memoria y alusiones literarias en su bien compuesto lienzo. Arlene Hutcheson crea permutaciones de color y superficies con matices de forma que aportan nuevos significados al lirismo abstracto. Amalia Piccini, vanOs y Sep Hyung Yoo centran su practicas en torno a la intermediación de la abstracción elemental y la representación. Todos ellos transitan por la ambiguedad, personal y a menudo sensualmente surreal, enfrentándose con las fuerzas contrapuestas en colisión –síntesis y ruptura, ausencia y presencia, ocultación y revelación, inocencia y conocimiento, solidez y vulnerabilidad– em relación a la subjetividad mundana y experiencial. Los objetos pintados adquieren nuevos roles estéticos, mientras retienen vestigios de sus antiguas vidas utilitarias.

Ellos son prueba positiva de una ciudad en transición en la cual, de un modo u otro, cada generación parece gravitar continuamente hacia algo nuevo. Uno puede defender que solamente a través de una ironía conceptual es posible deslizar hacia la disolución los borrosos límites de los estilos colectivos e individuales para llegar a conformar el orden de nuestro tiempo.

Entre otras muchas cosas, los trabajos presentados en este proyecto cuestionan nuestras percepciones no sólo respecto a los sistemas propios en la cultura del arte sino también del mundo en general.

Mariano Del Rosario es artista y profesor, reside en Nueva York (EE UU).